«Вариации в синих тонах». Выставка Сергея Киселева

«Вариации в синих тонах». Выставка Сергея Киселева
Воскресенье, 17 апреля 2016

Sergei Kiselev's solo exhibition “Variations in blue” features his paintings from the series “Suggestive images” and “Spatial Layering”.

Blue is the dominating colour of both series where it’s used in full splendor and diversity from pale turquoise to deep purple. Each work is an artist’s attempt to go through different shades of blue, combine them together, or set in contrast.

The blue color is primarily associated with the sky, purity, innocence, mystery and incomprehensibility. It comprises the sacred,...

С 8 апреля в петербургской галерее Эрарта будет работать выставка «Вариации в синих тонах», представляющая живопись художника Сергея Киселева из серий «Суггестивные образы» и «Пространственные наслоения».

В картинах обеих серий отчетливо доминирует синий цвет во всем его многообразии — от бледно-бирюзового до насыщенного фиолетового. От работы к работе, автор будто бы перебирает различные оттенки, примеряя их друг к другу, а в иных случаях и противопоставляя.

Синий цвет ассоциируется в первую очередь с небом, чистотой, непорочностью, таинственностью и непостижимостью, несет в себе сакральное, божественное, мистическое. Именно этим цветом окрашивали предметы культа представители древних цивилизаций — майя, египтяне, греки и римляне. В христианстве синий — прежде всего цвет Христа и Богородицы. Однако у этого цвета есть и негативная сторона, восходящая к черному. В восточных странах синий — признак демонических существ, печали и траура.

Орнамент, распавшийся на отдельные элементы и давно выполняющий исключительно декоративную функцию, символизирует утерянные знания и непреодолимость разрыва между поколениями, культурами и эпохами. Когда-то наполненные содержанием узоры здесь хаотично сплетаются в единую бесформенную массу, отражающую конечность любой эпохи, бренность всего материального, что есть в бытии. Контрапунктом выступает синий цвет — насыщенный, глубокий, всеобъемлющий, со всем разнообразием своей символики и оттенков.

Каждая работа на выставке Сергея Киселева содержит собственный «набор ключей»: оттенки, линии, символы. Как пользоваться исходным кодом, данным автором, зрителю предлагается решить самостоятельно. Насколько в данном случае логика, анализ и рациональность оказываются важнее интуиции, эмоций и воображения? Что первично: познание или впечатление?


Irina Starkova's 'Still Lives' at Erarta Galleries London

Irina Starkova's 'Still Lives' at Erarta Galleries London
Четверг, 31 марта 2016

Erarta Galleries London is pleased to present Still Lives the first solo show of Irina Starkova in the UK. Still Lives is the culmination of months of study of ornithological and entomological specimens after being granted access to the archives of the Natural History Museum and Institute of Tropical Medicine in London. Starkova decided to put these detailed, analytical drawings at the centre of the project, examining how these creatures have shaped the human world both physically and spiritually.

For the Still Lives exhibition at...


«Цветные сны». Выставка Александра Олигерова

«Цветные сны». Выставка Александра Олигерова
Среда, 24 февраля 2016

Erarta Gallery presents the solo exhibition by a St. Petersburg artist Alexander Oligerov. The first part of the project is dedicated to the bright would of color dreams, and the second — to the mysterious world they are born in.

People say it’s impossible to get “through the Looking Glass” and there is no such a thing as parallel reality. However, there is a world of dreams and it exists according to its own principles and laws with no connection to the scientific studies. They say dreams are black and...

Галерея Эрарта представляет выставку петербургского художника Александра Олигерова. Первая часть проекта посвящена яркому миру цветных сновидений, вторая — таинственному пространству, в котором они рождаются.

Говорят, что Зазеркалья нет, нет никакой параллельной реальности. Однако есть мир снов, и он существует наравне с действительностью по собственным принципам, не подчиняясь ни одному открытому наукой закону. Говорят, что цветных снов не бывает, но многие их видят. А есть и те, кто способен курсировать между миром реальности и вселенными новых образов и создавать собственные сновидения, к которым мы имеем возможность прикоснуться.

Выставка Александра Олигерова условно делится на две части: первая посвящена миру цветных снов, карнавальным вихрем охватывающих путешественников по новой реальности, вторая приоткрывает тайны ночного мира, где рождаются сны, — наполненного туманными миражами, ночными птицами, неспешными движениями и романтической загадочностью. Между двумя противоположными по энергетике полюсами возникает особое напряжение, способное привести в движение эмоции и чувства.


«Линия». Выставка Владимира Комельфо

«Линия». Выставка Владимира Комельфо
Суббота, 02 января 2016

On January 15 Erarta Galleriy in St.Petersburg will open the exhibition “Line”.

Protogenes immediately identified the stranger by the perfect line that he’d drawn.

The painter Vladimir Comelfo presents his new project under the title “Line”. One might say, what can be easier for an artist than drawing a line. This obsolete myth is still relevant in the ordinary consciousness. But the question is deeper: to draw the line of the personal creative path, to mark the boundaries of the subject, to maintain its...

С 15 января в галерее Эрарта в Санкт-Петербурге будет представлен живописный проект Владимира Комельфо «Линия».

Протоген сразу же признал

неназванного гостя по

совершенству исполнения одной лишь линии.

Владимир Комельфо предлагает нам свой живописный проект «Линия». Казалось бы, что может быть проще и естественнее для художника — провести линию. Миф этот не изжит в обыденном сознании по сей день, но и в тоже время — сложнее: твердой рукой вывести границы предмета, обрести свою линию в творчестве, выдержать ее характер. Ее ироничное прочтение нахожу в поэтической книге Владимира Комельфо, названной им романом, — «Здравствуй, Зоинька, как дела?» (СПб., 2014). «Взял карандаш. Веду линию. / Прямо веду. Слева направо. / Замечательно получилось». Самоирония — яркая черта творчества, проявляющаяся и в новом проекте. Но линия еще и сюжет многих мифов. Трудно не вспомнить линию Апеллеса, линию судьбы, горизонта, линию жизни и творчества, извилистую линию природы и прямую — геометрии. Гиппас из Метапонта разгласил секрет рациональности, показав, что только с применением иррациональных чисел можно построить правильный додекаэдр как истинный образ Вселенной. Пифагорейцы изгнали его за это, а по некоторым версиям, убили. Комельфо поступает противоположным образом — он рационализирует иррациональное, отказываясь от геометрической концепции линии как материальной границы, предлагает нам код прочтения всей представленной экспозиции, одновременно ставя вопросы, что такое линия, как она связана с линией судьбы и личного творчества. Это же (сознает или нет сам автор) ставит нам метафизические вопросы, вопрос вопросов без скидок на внерациональную трактовку творчества. Художник должен решительно думать линиями, красками, равновесными или дисгармоничными пятнами; как один он у холста, так мы зрители в данный момент стоим на его месте. Тезис «Размышлять вместе с кино» (Делез) легко экстраполируется на «Размышлять вместе с картиной». Так, его выставка, к примеру, провоцирует меня на размышления о конструкции образа. Издревле образ являлся как проявление высших сил, он не содержал различия между тем, что изображено, и тем, как это изображено. Мало-помалу образ все более осознается рукотворным. Но вплоть до Нового времени в классической картине не предполагались швы или линии склейки. Линия объединяла. Как об этом свидетельствовал Леонардо да Винчи: «Границы тел не являются частью этих тел». В ХХ веке открыли разделяющую, исключающую, противопоставляющую целостности линию. Ныне же все больше осознается дефицит подлинности, неспешности созерцания естественной — непрямой — линии ландшафта, дикой природы, как того требуют условия визуальной экологии, личного общения, атмосферы встреч друзей-соперников, друзей ценителей и котировщиков признанности.

Творческое кредо художника – быть верным себе: в поэзии, футболе, общении, прозе, живописи — здесь обретает особое значение, отказывающее ригоризму жанровой самореализации: в его стихах и прозе узнаю его «живописную» графику, а в графике нервный ритм стиха, обнажение до призрачности и неуловимости авторского начала.

Линейный характер работ В. Комельфо формально заявлен в экспозиции, поддержан как линией развески, так и размерами: все работы высотой 70 см и длиной от 40 до 270 см. Кредо его творчества можно определить как ироничный романтизм. Его экспозиция содержит и приглушенные абстрактные композиции, и нарочито обыденные натюрморты, и характерные портреты, и ироничный автопортрет, и многофигурные разработки чисто авторских сюжетов, элементы жанровых бытовых сцен. В обращении к традиционному жанру натюрморта всегда можно увидеть самоиронию, включение бытовых сцен: жареной яичницы, бутылки пива и стакана на столе (подозреваем все же, искушенные стратегиями аналитики решат, что все это не приметы повседневности, но метаповседневность), а в ироничности названий портретов — поиск романтического образа девушки, проступающий поверх оппозиций: холодная — горячая, странная – ладная, автор предлагает увидеть тонкие дистинкции именования и изображения девушек «горячей» и «теплой». Иные работы многофигурны, каждая из них пребывает в своем пространстве. Волей художника собранные воедино в одном листе, в одной работе, в одной серии, они дают возможность удовольствия путешествия по разным мирам в одной картине.

Экспозиция — несомненная заслуга автора — являет собой воплощение зрелого концепта. В центре композиции, очерченной линией картин, стоит объект «Соглядатаи», среди коих как художники, пребывающие в ранге гениев (Рублев, Эль Греко, Рембрандт), так и почти современник Пикассо, и современный художник, явивший стиль концептуального экспрессионизма, — Валерий Лукка. Как демиург Комельфо дает имя портретам, вещам, картинам, предлагая отказаться от трансгрессии определенности, захватившей художественное пространство конца ХХ — начала ХХI века, в котором игра иронического и серьезного, личного и общечеловеческого, низкого и высокого достигает апогея. Здесь же нам предъявлено зеркало, в котором художник видит своих предшественников, современников, видит себя. Подсказывает, в свете какой истории живописи следует воспринимать его работы. Но мы подозрительны (даром ли прошли уроки постструктурализма), аналитическим «боковым» зрением подмечаем игру взаимоотражений, напряженный диалог фигур и персон. Спросим себя, на что смотрят великие художники, как не на своих странных, желанных, теплых или холодных муз? Но возможна и такая версия, что нам предъявлен снисходительно-патерналистский протест против господствовавшего еще совсем недавно диагноза: живопись умерла, ничего нового художник уже не может сделать, используя классический язык искусства, а мы соответственно увидеть это. Вспоминаются слова апостола Павла, применимые к нынешней ситуации в живописи: «Нас почитали умершими, но вот — мы живы».

И то верно, что в ситуации покоя, благополучия и уверенности в прогрессе потребления актуальны стратегии художников, культивирующие хаос, деструкцию и самодеструктивные акты; террор, подобно тому, как его призывал в духе манифестов авангарда французский писатель и эссеист Жан Полан: «Вместо того чтобы возмущаться приемами Террора, нам, возможно, стоит восхититься его мудростью». Во времена же роста хаоса и вторжения в мирную жизнь насилия, террора и войны террористическая стратегия художника обесценивается, а шок как стратегия творчества уступает место соразмышлению, порядку и искренности. Дает ли художник основание заподозрить его в высокомерии воскрешенного концепта эзотеричности искусства, так как здесь художник говорит с художниками, а именитые художники созерцают муз, творчество Комельфо, линию картин? Не оммаж ли это современному превращению изобразительного искусства в зону весьма дорогого и элитарного потребления?

Оппонируя радикальным художникам, жаждущим эксцесса, скандала, эпатажа, медиа, Комельфо увлечен экзистенциально наполненным содержанием диалога и взыскует традиции, непрерывности ее линии, сохранения ее форм, животворности катарсиса. Линия — это призрак движущейся точки. Саму точку как предел определенности нельзя ни схватить, ни уловить, она «нематериальна», материален фантомный след ее движения. Не поэтому ли мы здесь, пришли на его выставку, пытаемся увидеть невидимое, проникнуть в замысел, в истоки творчества, отследить проступающих на картинах предшественников, отметить оригинальность или отступить в недоумении от отдельных работ, улыбнуться визуальной шутке, получить дизайнерский каталог?

Валерий Савчук

 


“Birth of Sculpture”. Group exhibition openning

“Birth of Sculpture”. Group exhibition openning
Суббота, 14 ноября 2015

From 20 November Erarta will present a group exhibition of artists who radically switched from painting to sculpture.

A rigorous crossover from two dimensional to three-dimensional art, from painting to sculpture may seem a mysterious and absolutely impossible step for an artist. Not everyone is able to cross the line and reject the usual environment and art perception.

 Arsen Avetisyan, Sergey Kondrashkin and Armen Gasparyan reflect on the origin and formation of tactile sensation of figure...


“Prolonging the Summer”. Solo Exhibition by Marina Fedorova

“Prolonging the Summer”. Solo Exhibition by Marina Fedorova
Среда, 16 сентября 2015

From September 16 Erarta presents an exhibition “Prolonging the Summer” by Marina Fedorova.

The sea is a very attractive phenomenon. Every time I’m next to it, I realize that even the most genius painter is only an amateur compared to Creator. This work is changing every second and never repeats. I'm not trying to depict the sea: the heroes of my works are people who can’t help looking at sea surface and waves.

Marina Fedorova

...

16 сентября в Эрарте начнет работу выставка Марины Федоровой «Продлевая лето», где будет представлена живопись и объекты, созданные художницей за последние несколько лет.

Море обладает притягательной силой. Каждый раз оказываясь рядом с ним, я понимаю, что любой, даже самый гениальный художник — дилетант по сравнению с Творцом. Это произведение меняется каждую секунду и никогда не повторяется. Я не пытаюсь написать море: герои моих работ — люди, которые не могут оторвать взгляда от морской глади или волн, и сам взгляд, сосредоточенный на своем объекте.

Марина Федорова

На новой выставке Марины Федоровой в Эрарте будут представлены произведения, созданные автором за последние несколько лет. Идея этой серии работ возникла на пленэре международного фонда «Культурное достояние» в Черногории, там же были созданы и некоторые картины. Помимо традиционной живописи маслом на холсте, на выставке будут показаны скульптура и картины на стекле.

Манера письма Федоровой идеально подходит для того, чтобы передать летнее настроение — жизнерадостное и легкое. Воздушными мазками излагаются любимые сюжеты художницы: здесь и дети, и задумчивые красивые женщины, и будто украдкой подсмотренные моменты летнего удовольствия. Как всегда, Марина Федорова ищет и находит прекрасное в обыденном, извлекая эмоционально насыщенные моменты из ткани ежедневного бытия. «Мне хотелось передать не безудержную радость отпуска на море, а спокойное созерцание и медитативное понимание того, что оно будет вечно», — рассказывает автор.

Молодая художница Марина Федорова имеет внушительный опыт выставочной деятельности. Уже более десяти лет она принимает участие в выставках в Санкт-Петербурге, Москве, Риге, Париже, Генуе, Мантуе, Малаге, Хельсинки, Мадриде, а также в международных ярмарках Art Stage Singapore, «Арт-Москва», «Арт-Париж», «Арт-Монако», «Арт-Болонья», «Арт-Вильнюс», «Арт-Киев» и «Арт-Хельсинки». Работы художницы находятся в собраниях Государственного Русского музея, Дома искусств в Марбелье (Испания) и в частных коллекциях Лорана Бутонна, Пьера Броше, Ильи Лагутенко, Артемия Троицкого и Михаила Царева.


Google Art Project comes to Erarta

Google Art Project comes to Erarta
Вторник, 07 июля 2015

Erarta becomes the first museum of contemporary art in Russia to be represented in the Google Art Project.

On 30th June 2015, the collection of Erarta Museum of Contemporary Art, located in St. Petersburg, Russia, became digitally available via the Google Cultural Institute's Art Project. Millions of people worldwide, who use the Google Art Project to discover and enjoy the world's cultural heritage via 3D virtual tours of museums and gigapixel digital captures of some of the most iconic works, will now be able to expand their...


Leonid Tishkov's 'Private Moon' at Erarta Galleries London for Russian Art Week

Leonid Tishkov's 'Private Moon' at Erarta Galleries London for Russian Art Week
Суббота, 23 мая 2015

To celebrate Russian Art Week at Erarta Galleries London, world-renowned, Russian artist Leonid Tishkov brings his 'Private Moon' to London for the first time since 2013. 

Opening the week at Erarta Galleries, Tishkov also participates as curator of Maxim Boxer's exhibition and auction 'Cartoon-Like' on the gallery's lower ground floor. Comprising 78 lots, the curated exhibition-auction also features some of Tishkov's alternative artistic mediums, including screenprints and oil on canvas pieces.

'Private Moon' is a...